Deux questions après la visite de l’exposition Kiyoshi Yamashita

Le Musée de la mode de Kobe (神戸ファッション美術館) accueille en ce moment1 une rétrospective des œuvres de Kiyoshi Yamashita, un artiste que l’on pourrait rattacher à l’Art Brut à cause de ses problèmes mentaux2. Voici l’affiche de l’exposition3 : Deux questions me sont venues à l’esprit lors de ma visite, questions qui viennent sans doute de mon étude de Focus. D’abord, il est remarquable que dans cette exposition d’environ 150 œuvres s’étendant sur 35 années, à l’exception d’un nu féminin intitulé “Strip-teaseuse” (de 1956), on ne voit nulle trace de sexe, de pulsions, de colère ou de frustration.

(Vidéo officielle de présentation de l’exposition, donnant un bon aperçu de son contenu)

Maki Kaneko a récemment écrit quelques pages très intéressantes sur cet aspect lisse de l’œuvre de Yamashita et sa réception4. Yamashita était évidemment incapable de gérer lui-même sa carrière et sa réputation. C’est Ryūzaburō Shikiba (1898-1965) qui s’est occupé de lui après la seconde guerre mondiale et qui a construit sa personne publique et sa gloire : Yamashita fait parfois la couverture des journaux, plusieurs films et feuilletons télévisés ont été tournés en se basant sur sa vie, des expositions monstres ont parcouru le Japon de son vivant. Shikiba était psychiatre, et il s’était intéressé aux rapports entre art et folie, en particulier à la personnalité de Vincent Van Gogh. Pendant la guerre, il en était venu aussi à étudier l’artisanat populaire et à mettre en avant la “pureté”, l’ “innocence” , la “bonne santé” de ses créateurs anonymes, tous traits personnifiés également, selon lui, par Kiyoshi Yamashita. Shikiba va donc mettre en avant l’innocence de son protégé, sa pureté qu’il explique par son état permanent de grand enfant, dénué de sexualité. C’est ainsi qu’il explique que Yamashita ne se soucie pas de son apparence publique et n’éprouve aucune gêne à se déshabiller en public; il n’y voit aucune malice: quand il fait chaud, il se dénude comme peuvent le faire de jeunes enfants. Le mot nu est associé à Yamashita, par exemple dans son surnom de “Général nu” (裸の大将: hadaka no taishou), qui va servir de titre au film, dirigé par Hiromichi Horikawa, qui lui est consacré en 1958. Certains artistes ou critiques d’art vont reprocher à Shikiba cette caractérisation et lui enjoindre d’arrêter d’exhiber son patient, vont essayer de se distancier de cette façon japonaise “conservatrice” d’insister sur le côté primitif et naïf des œuvres de malades mentaux, en opposition à l’image d’avant-garde, de rejet des conventions mise en avant en Europe. On voit donc que le côté lisse de l’œuvre de Yamashita qui m’avait intrigué lors de ma visite était voulu et encouragé par son chaperon. Cela pourrait-il avoir eu pour conséquence que Shikiba aurait caché, voire détruit, des dessins de Yamashita qui ne convenaient pas à l’image qu’il avait construite5 ? Ou l’état mental de celui-ci était-il vraiment tel qu’il était dépourvu de toute pulsion ? Je suis évidemment incapable de répondre à cette question, mais, sans malice, elle me semble légitime. En outre, elle conduit à ma deuxième interrogation. Sur les 150 pièces environ exposées, seule une dizaine proviennent de collections privées (個人蔵). Toutes les autres, en particulier les œuvres les plus célèbres ou remarquables, appartiennent à la Société de gestion des œuvres de Kiyoshi Yamashita (山下清作品管理事務所)6 .  Cela renforce l’impression de grand contrôle sur son œuvre, que j’ai évoquée ci-dessus, et donne l’impression que Kiyoshi Yamashita ne vendait pas beaucoup d’œuvres.  Comment donc était-il rétribué pour son travail ? Comment a-t-il pu payer son voyage en Europe au début des années 60 quand il était si cher de sortir du Japon en avion ? Plusieurs sources de revenus sont envisageables : les expositions qui attiraient les foules et leurs revenus dérivés (on parle de 800.000 visiteurs pour une exposition au grand-magasin Daimaru de Tokyo en 1956), les droits d’auteur de ses livres, une certaine rémunération pour l’exploitation de son image dans les films et les feuilletons télévisés. Kiyoshi Yamashita était-il lui-même conscient de la valeur monétaire de sa production ? On en revient ainsi à Focus dont la survie de l’œuvre a dépendu de la volonté d’une personne ou de personnes qui nous restent inconnues, dont on ne connaît pas la motivation, mais qui ont dû passer par une certaine censure et des destructions pour rendre le volume des dessins de Focus supportable à leurs contemporains. Sont-ce les mêmes personnes qui ont payé les frais de son séjour aux Petites Maisons ?
Cite this article as: Alexis D'Hautcourt, "Deux questions après la visite de l’exposition Kiyoshi Yamashita," in Georges Focus, peintre et fou, 29/07/2022, https://georgesfocus.hypotheses.org/3620.
  1. J’ignore la raison de cet accueil, Yamashita n’étant lié ni à la mode, ni à Kobe. En septembre, l’exposition sera accueillie par le Musée municipal des Beaux-Arts de Fukui. On peut voir la liste des musées qui l’hébergent jusqu’en 2024 ici. []
  2. O. R. Lindsley, “Can deficiency produce specific superiority-the challenge of the idiot savant”, Exceptional Children 31.5 (1965), p. 225-232 : Yamashita était sans doute un autiste savant. []
  3. Je propose un bref commentaire sur cette image sur mon autre carnet de chercheur: « Un regard japonais sur un tableau du japonisme ». Publié sur Acrobates japonais en France le 26/07/2022. Lien : https://acrobates.hypotheses.org/3957. []
  4. Maki Kaneko, Mirroring the Japanese Empire : the male figure in yōga painting, 1930-1950 (Leyde, 2015), p. 135-140. []
  5. Pour la comparaison, on peut penser aux passages du journal d’Anne Frank sur les menstruations et la sexualité que son père avait choisi de ne pas éditer. []
  6. Voir son petit site internet officiel. A Kobe, lors d’une conférence, la société est représentée par un neveu de Kiyoshi : 山下浩氏 []

David Joris, un nouvel “ancêtre de l’art brut” ?

Alors que je baguenaudais sur internet, mon attention a été attirée par une vente prochaine chez Christie’s: un dessin similaire à ceux de Focus en certains aspects. Si son style est très différent, et s’il est fait usage d’encre rouge, ce qui n’apparaît jamais chez Focus, son format (42 x 28,7 cm), la technique employée (plume et encre brune)1, sa mise en page avec une curieuse action à l’avant-plan, une architecture et un paysage imaginaires2, un ciel ennuagé peuvent, me semble-t-il, être rapprochés des dessins du peintre qui nous occupe dans ce carnet.

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  1. Le catalogue signale aussi des “framing lines”, des “traits d’encadrement”, comme chez Focus, mais je ne les vois pas sur l’illustration. []
  2. On y reconnaît un petit obélisque et une statue équestre. []

Cinq statues sur un balcon: 4. Charité

Détail du dessin Cat. 31

La quatrième statue de notre dessin est également un groupe statuaire: une femme voilée se tient droite et tient un enfant des deux mains; un petit animal est couché à ses pieds. Les éditeurs du Catalogue y ont raisonnablement vu une Vierge à l’enfant, mais plusieurs détails me poussent à proposer une autre identification: la position presque horizontale de l’enfant, qui n’est pas des plus communes avec Marie, ses lèvres légèrement entrouvertes, presque quémandeuses, et le téton gauche de la femme, bien visible.

Je suggère donc que la statue est une représentation allégorique de la Charité, ou Charitas, qui consiste en une femme allaitant un ou plusieurs enfants.

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Cinq statues sur un balcon. 3. Cupidon ou Adonis avec Vénus ?

Détail du dessin Cat. 31. © The University of Edinburgh

La troisième statue du dessin 31 est en fait un groupe statuaire de trois figures: une Vénus de Médicis, un dauphin et un jeune homme. La Vénus de Médicis est une des statues grecques les plus connues et les plus recopiées partout en Europe depuis le 17e siècle. Focus pourrait avoir contemplé la statue originale à Rome lors de son séjour, puisqu’elle ne part pour Florence qu’en 1677, ou il a en mémoire une copie ou une étude, car cette statue devient vite un élément du canon esthétique européen. Dans le cadre de mon intérêt sur le lien entre Georges Focus et la naissance du genre de la bande dessinée, je ne résiste pas à reproduire cette gravure de Hogarth, centrée sur la statue de Vénus.

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Cinq statues sur un balcon. 2. Religion et un oiseau moqueur

Voici un détail du dessin Cat. 31 de Focus montrant la statue que nous allons étudier aujourd’hui, après notre examen de la statue du Temps:

Détail du dessin Cat. 31. © The University of Edinburgh
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Cinq statues sur un balcon. 1. Le Temps, une de ses ennemies, le spectre du Dom Juan de Molière ?

Focus, Dessin Cat. 31, © The University of Edinburgh

Dans le dessin Cat. 31, Georges Focus a représenté cinq statues féminines dressées sur la balustrade d’une grande terrasse. Ces statues sont chacune remarquables et uniques. Dans les jours qui viennent, je vais essayer de les présenter et de voir quelles sources d’inspirations pourraient avoir influencé Focus.

Le Temps

Détail du dessin Cat. 31. © The University of Edinburgh

La première statue à gauche sur le dessin semble facilement identifiable par les deux objets qu’elle porte, une faux de la main droite, un sablier de la main gauche, et par les ailes dans son dos. Comme les éditeurs du Catalogue l’ont bien noté, il s’agit apparemment d’une allégorie du Temps1 Toutefois, représentation unique à ma connaissance, il s’agit ici non d’un vieil homme, mais d’une jeune femme au torse entièrement nu, les seins en évidence; un châle partiellement transparent tombe négligemment de ses coudes, lui couvre le pubis et le haut des cuisses, mais dévoile ses genoux.

L’image de Focus est unique; il faut essayer d’en trouver les sources pour tenter de la comprendre au-delà des troubles mentaux de son créateur. On peut par exemple y voir la synthèse originale de différentes traditions iconographiques, car, si le Temps est généralement un homme âgé, il est souvent représenté en compagnie d’une jeune femme plus ou moins nue2.

La Vérité

Le Temps est ainsi souvent associe à la Vérité, qu’il sauve, nue, de différents ennemis. Voici, par exemple, un tableau de 1657, œuvre de Theodoor van Thulden, un peintre flamand qui vécut quelques années à Paris dans les années 1630. Le Temps sauve sa fille la Vérité des assauts de l’Envie et de l’Ignorance. L’Hypocrisie gît au sol, un masque à la main. Le vêtement que porte la Vérité ressemble à celui de la statue du Temps de Focus3.

Theodoor van Thulden, Domaine public, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=15611222

On retrouve cette scène en sculpture aussi. Par exemple, on peut voir au Louvre la statue d’Honoré Pelle, Le Temps découvrant la Vérité (vers 1700, initialement placée dans dans le parc de Marly).

Photographie par Sailko, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=30216854

L’Histoire

Parfois, l’Histoire est représentée comme une femme ailée qui domine le Temps en écrivant son œuvre sur le dos de celui-ci.

Luca Giordano, L’Histoire et le Temps (c. 1680) (Musée des Beaux-Arts de Brest), Domaine public, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=79542577 (Chronos, le Temps, est assimilé à Cronos [Saturne] dévorant l’un de ses enfants)

C’est une allégorie que l’on retrouve de façon spectaculaire à Versailles, grâce à une statue de Domenico Guidi, La Renommée du Roi (commencée en 1677 et mise en place en 1686), en collaboration avec Charles Lebrun pour son programme allégorique4.

Photographie de Trizek, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=15420909

L’Histoire ou la Renommée, ailée, écrit les Annales du règne de Louis XIV, dont un portrait orne un médaillon; elle se sert du Temps comme lutrin et terrasse l’Envie, qui dévore son propre cœur. Elle est vêtue d’une tunique, ce qui la distingue nettement de la statue dessinée par Focus. Des gravures ont rapidement répandu cette représentation de la gloire du roi au-delà des jardins de Versailles.

On trouvait une autre version de cette allégorie à l’intérieur du château, dans l’Escalier des Ambassadeurs, sur un dessin de Le Brun. Cette fois-ci, tant la position de l’Histoire que son vêtement la distinguent de l’image de Focus.

Charles Le Brun, L’Histoire écrivant les évènements du règne de Louis XIV (“Étude pour le décor du plafond de l’escalier des Ambassadeurs du château de Versailles, 1674-1679”)

Une version plus agressive de ce thème peut se discerner dans le tableau suivant, “commandé par l’abbé Strozzi à Florence en 1664 pour être offert à Louis XIV”. Le Temps y est vaincu par la Gloire de Louis XIV, ailée tout comme le vieillard. On retrouve dans ce tableau le sablier et la faux, et on pourrait imaginer que la statue de Focus s’est emparée des attributs du Temps et pose alors, fière de sa victoire.

Volterrano, La gloire de Louis XIV triomphe du temps (vers 1664).

La Renommée

Parfois, la relation entre le Temps et sa comparse féminine est plus violente, comme dans les allégories qui voient le Temps arracher les ailes de la Renommée.

On peut ainsi admirer la fresque spectaculaire de Volterrano au Palazzo Lanfredini à Florence (1672-1673). On y retrouve une femme à moitié nue et la faux du dessin de Focus. Cette fois-ci, les deux protagonistes de la scène sont ailés.

Photographie de Sailko, CC BY 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=69656015

Vénus

C’est aussi une scène de confrontation que l’on peut voir dans un tableau de Simon Vouet, Le Temps vaincu par l’Amour, Vénus et l’Espérance (vers 1640), mais cette fois-ci le Temps est le perdant et c’est le vieillard qui se se voit dépiauté:

CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=48949818

Le Temps qui tient une faux de la main droite et une renommée ailée, encore une fois, peuvent faire penser à la statue de Focus. Comme avec la Gloire ci-dessus, on peut imaginer que la femme ailée de Focus pose victorieuse avec le trophée des attributs de son ennemi défait.

Aurore

Une allégorie dont le thème est proche de celui du Temps est celle de l’Aurore, représentée parfois comme une femme ailée plus ou moins habillée, ce qui la rapproche du dessin de Focus. Voici par exemple, une gravure de Jan Sadeler (1582).

Gravure de Jan Sadeler, d’après Dirk Barendsz (1582). © The Trustees of the British Museum, CC BY-NC-SA 4.0

Une toile spectaculaire de Giovanni Antonio Pellegrini (1718) présente Aurore de la même façon.

Giovanni Antonio Pellegrini — https://www.mauritshuis.nl/en/explore/the-collection/artworks/aurora-1136/detailgegevens/, Domaine public, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=76734092

Aurore est également représentée en compagnie d’un vieillard pour illustrer son amour mythique avec Tithon et la triste conséquence du vieillissement sans fin de son amant.

Anonyme (École française) , Aurore, Céphale et Tithon et (Vers 1600) — Domaine public, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=91989283

Si ces images étaient probablement connues de Focus, il ne me semble pas qu’elles aient pu inspirer directement le peintre dans ce cas-ci.

Le Spectre du Dom Juan de Molière

Jusqu’ici, j’ai présenté l’image de Focus comme pouvant être le résultat d’une sélection d’accessoires et de thèmes parmi des motifs existant; j’ai essayé d’insérer le dessin unique de statue de Focus dans une tradition culturelle qui aurait rendu sa réalisation aisée et facilement interprétable par ses contemporains.

On peut aussi ouvrir une autre piste d’explication en se demandant s’il faut rattacher le dessin de statue de Focus à l’un des épisodes les plus fameux du théâtre de son temps, une scène du Dom Juan de Molière, un écrivain que Focus cite plusieurs fois dans ses dessins. La pièce fut jouée pour la première fois en 1665.

Scène V
DON JUAN, SGANARELLE ; UN SPECTRE, en femme voilée.

– Sganarelle

Ah ! monsieur, c’est le ciel qui vous parle, et c’est un avis qu’il vous donne.

– Don Juan

Si le ciel me donne un avis, il faut qu’il parle un peu plus clairement, s’il veut que je l’entende.

– Le Spectre

Don Juan n’a plus qu’un moment à pouvoir profiter de la miséricorde du ciel, et s’il ne se repent ici, sa perte est résolue.

– Sganarelle

Entendez-vous, monsieur ?

– Don Juan

Qui ose tenir ces paroles ? Je crois connaître cette voix.

– Sganarelle

Ah ! monsieur, c’est un spectre, je le reconnais au marcher.

– Don Juan

Spectre, fantôme, ou diable, je veux voir ce que c’est.
(Le spectre change de figure, et représente le Temps, avec sa faux à la main.)

– Sganarelle

Ô ciel ! voyez-vous, monsieur, ce changement de figure ?

– Don Juan

Non, non, rien n’est capable de m’imprimer de la terreur ; et je veux éprouver, avec mon épée, si c’est un corps ou un esprit.
(Le Spectre s’envole, dans le temps que don Juan le veut frapper.)

– Sganarelle

Ah ! monsieur, rendez-vous à tant de preuves, et jetez-vous vite dans le repentir.

– Don Juan

Non, non, il ne sera pas dit, quoi qu’il arrive, que je sois capable de me repentir. Allons, suis-moi.

Molière, Don Juan ou le Festin de pierre, Texte établi par Charles Louandre, Charpentier, 1910, Œuvres complètes, tome II (p. 120-129). Wikisource, //fr.wikisource.org/w/index.php?title=Don_Juan_ou_le_Festin_de_pierre/%C3%89dition_Louandre,_1910/Acte_V&oldid=7236354

Il s’agit de l’antépénultième scène de la pièce, juste avant la rencontre finale de Dom Juan avec la statue du Commandeur. Elle n’est pas sans poser problème aux metteurs en scène et aux exégètes car le Spectre arrive sans annonce et son identité n’est pas assurée (beaucoup y voient Elvire)5, et elle est même absente de certaines éditions du texte6. Voici la vidéo d’une mise en scène de 2002 à la Comédie Française, qui donne une exemple concret de matérialisation du Spectre:

Mise en scène de Jacques Lassalle; Dom Juan: Andrzej Seweryn; Sganarelle: Roland Bertin

Le personnage du Spectre s’est en quelque sorte imposé à Molière qui souhaitait donner une pièce spectaculaire, en utilisant des machines de théâtre. Il est une création originale du dramaturge, qu’on ne trouve pas dans les versions de l’histoire qui auraient influencé Molière. Malheureusement, le contrat détaillé entre sa troupe et deux peintres pour la réalisation des décors de la pièce ne nous apprend rien sur le Spectre7.

Marché de décors du Festin de pierre, 1664. Archives nationales, Domaine public, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=41156034

Seules les didascalies de l’édition de 1682 peuvent être de quelque aide: “UN SPECTRE, en femme voilée”, “Le spectre change de figure, et représente le Temps, avec sa faux à la main”, “Le Spectre s’envole, dans le temps que don Juan le veut frapper” . On peut alors imaginer que la statue de Focus est le Spectre qui vient juste de laisser glisser son voile, de “changer de figure” pour montrer qu’il est le Temps.

On se gardera bien ici de prétendre que Focus a assisté à une représentation du Festin de Pierre, mais il me semble qu’on puisse retenir l’hypothèse qu’il connaissait cette pièce et qu’il s’en est inspiré pour son dessin, ce qui pourrait en faire un témoignage indirect précieux pour ce moment de la vie littéraire en France

Les deux hypothèses présentées ici me semblent exclusives l’une de l’autre: soit Focus a puisé dans le catalogue contemporain des allégories et de l’iconographie pour créer une image de Gloire ou de Vénus victorieuse du Temps, soit il fait une allusion à une scène remarquable d’une pièce de théâtre contemporaine. Pour comprendre Focus, la recherche progresse lentement; j’espère que l’analyse des autres statues du dessin permettra de décider quelle est la meilleure des explications présentées ici.

Annexe: Le texte du dessin

Je n’ai pas trouvé d’élément d’explication du dessin dans le texte de son phylactère, mais elle se trouve peut-être sous mes yeux incapables. Si une lectrice ou un lecteur pense pouvoir dénicher un élément d’interprétation, n’hésitez pas à laisser un mot en commentaire.

La Renanse corna à faire peur aux vivants,

la Renonse gronda aussi faute d’argent.

La Renuense, son amie, en fit de même.

Le Renurise, sa fille, n’ayant pas ce qu’on aime

Et qui se couche nommée la pierre plate,

Abandonne le fils du roi tout nu pour la pourpre et l’écarlate.

La Renirise, nommée Margot la Pie au nid

D’épines de celui qui en est couronné ne se soucie.

Arrivé dans le port après avoir échappé du naufrage,

Le Grand Maître se chausse devant lui de conduite très sage,

Pour partir pour la guerre avec son cordonnier

Qui le chausse alors que Focus va lui montrer le papier

Qu’il a ordonné du dessin de sa maison.

Il ne trouve enfin rien pour toute raison.

Georges Focus, Phylactère du dessin Cat. 31, adapté en français moderne et formaté pour respecter la versification
Cite this article as: Alexis D'Hautcourt, "Cinq statues sur un balcon. 1. Le Temps, une de ses ennemies, le spectre du Dom Juan de Molière ?," in Georges Focus, peintre et fou, 27/02/2022, https://georgesfocus.hypotheses.org/2786.
  1. Pour la comparaison, voir Pierre Mignard, Allégorie du temps (“en rapport avec le décoration du plafond du Cabinet des Coquilles, au château de Versailles.”), la gravure de Gérard de Lairesse, Le Temps, Mnémosyne et Pratique (1670-1675). []
  2. Pour ma recherche, cet article s’est avéré très utile: B. Delmas, Allégories et représentations de la science et du travail de la Renaissance à nos jours. Conférence inaugurale du 127e Congrès national des sociétés historiques et scientifiques, Nancy, 15 avril 2002. In: Le travail en représentations. Actes du 127e Congrès national des sociétés historiques et scientifiques, « Le travail et les hommes », Nancy, 2002. Paris : Editions du CTHS, 2005. pp. 15-46. (Actes du Congrès national des sociétés savantes, 127). Beaucoup d’informations précieuses aussi dans l’article de H. Himelfarb, Figures et figurations du temps dans la sculpture française du règne de Louis XIV. In: Littératures classiques, n°43, automne 2001. Le temps au XVIIe siècle. pp. 27-42. DOI : https://doi.org/10.3406/licla.2001.1565. []
  3. Voir aussi Annibale Carracci, Le Temps et la Vérité (1584); Gilles Coignet, Le Temps et la Vérité (1596); Charles Dauphin, Le Temps dévoilant la Vérité (vers 1640 ?) et une autre version datant de 1660-1665 (?) [Voir R. Fohr, Pour Charles Dauphin, Mélanges de l’École française de Rome. Moyen-Age, Temps modernes, tome 94, n°2. 1982. pp. 979-994. DOI : https://doi.org/10.3406/mefr.1982.2681]; École de Nicolas Poussin, Le Temps soustrait la Vérité aux atteintes de l’Envie et de la Discorde (1641) (“commandé par le cardinal de Richelieu en 1641 pour le plafond du Grand Cabinet du Palais-Cardinal”) (voir aussi la gravure de Gérard Audran); Bartolomeo Guidobono, La Verità scoperta dal Tempo (fin du 17e s.) . Parfois, cette scène a été confondue avec Saturne enlevant Cybèle comme dans le cas de la statue de Thomas Regnaudin, maintenant au Louvre, mais qui était destinée à Versailles; voir Himelfarb p. 34. []
  4. Sur l’histoire et les vicissitudes de cette statue, voir A. Maral, « La Renommée du roi » de Domenico GuidiVersalia. Revue de la Société des Amis de Versailles, n°13, 2010, pp. 145-157. DOI : https://doi.org/10.3406/versa.2010.904. []
  5. Voir, par exemple, A. Lévêque, Le “Spectre en Femme Voilée” dans le Dom Juan de Molière, Modern Language Notes 76, No. 8 (Déc. 1961), p. 742-748 (https://www.jstor.org/stable/3039946); W. Helling, Le Dénouement du Dom Juan de Molière: Un problème de mise en scène, Chimères 18(2) (1986), p. 23–50 (https://doi.org/10.17161/chimeres.v18i2.6272); D. Gambelli, Le Dom Juan de Molière et les machines de la tragédie. In: Littératures classiques, n°27, printemps 1996, pp. 43-52. DOI : https://doi.org/10.3406/licla.1996.2447. []
  6. Pour l’histoire du texte et de ses censures, voir J. Dejean, « Le travail de l’oubli : commerce, sexualité et censure dans Le Festin de Pierre de Molière », Littérature 144 (2006), p. 6-24. DOI : 10.3917/litt.144.0006 (traduction francaise par Jean de Guardia et Alexandre Gefen de « The work of forgetting : Commerce, sexuality, censorship, and Moliere’s Le Festin de Pierre », Critical Inquiry (automne 2002). []
  7. Voir l’analyse détaillée d’A. Albert-Galtier, L’Itinéraire de Dom Juan : six décors pour une pièce à machines, Cahiers du XVIIe siècle: An Interdisciplinary Journal (1992), p. 97-112. []

Dessin Cat. 29 (5. Verso Texte 1: mais de quel sac s’agit-il ?)

Le verso du dessin Cat. 29 est complètement écrit, mais on peut y observer plusieurs phases de rédaction. Le premier texte est écrit un peu en haut à droite de la feuille; il ressemble dons son esprit à une étiquette.

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Dessin Cat. 29 (4. Notes marginales : pourquoi Focus cite-t-il Monsieur de Pourceaugnac de Molière ?)

Le dessin Cat. 29 contient 4 textes: le phylactère principal cloué au char des Turcs, un petit texte écrit sur un sac au dos d’une louve ailée et deux lignes écrites en dehors du cadre du dessin, en-dessous et à droite.

Voici ces dernières (à gauche, une transcription; à droite, une version en français moderne plus lisible):

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Image du mois: Atlas et Hercule supportant le globe céleste

Sotheby’s propose lors d’une prochaine vente le dessin d’un contemporain de Focus, Michel Corneille le Jeune (1642-1708), qui offre un parallèle intéressant avec les dessins de l’artiste dont nous nous occupons ici:

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D’une pierre deux coups ? Une chouette à cheval, Louis XIV et Charles Le Brun

Voici le dessin Cat. 27 de Georges Focus:

Georges Focus, Cat. 27. (= Recueil de Desseins Ridicules par le nomme Foque … f. 82r; University of Edinburgh)

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Le repentir

La lecture de la Tribune de l’Art il y a quelques semaines m’a fait découvrir un tableau extraordinaire1, qui a beaucoup de points communs avec les dessins de Focus et illustre l’iconographie dans laquelle il baignait et que ses troubles mentaux ont transformée.

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  1. Voir aussi D. Rykner, Une esquisse du Repentir du Grand Condé identifiée à Bordeaux, La Tribune de l’Art (2 septembre 2017). []

Colloque: Bandes dessinées hors-champs – Comics on the Outside

Mise à jour du 28 mai 2021:

Le programme du colloque et les modalités d’inscription pour le suivre (gratuitement) sont maintenant disponibles sur le site internet du groupe ACME.

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Note de lecture: N. Surlapierre, Focus se croyant roi

Nicolas Surlapierre1, Focus se croyant roi, L’art brut existe-t-il ? éd. par L. Bertrand Dorleac et L. Gervereau (Paris, 2019), p. 150-159 (actes du colloque “L’art brut existe-t-il ?” organisé par la Maison John et Eugénie Bost – Fondation John Bost, La Force, Dordogne, les 25, 26 et 27 mars 2019)2

Dans son stimulant article, N. Lapierre insiste justement sur le caractère exceptionnel de la conservation des œuvres de Focus, qui permettraient, selon lui de répondre à la question “d’où vient l’art brut ?”

Il consacre quelques paragraphes au jeu qui se noue entre les dessins de Focus et la culture classique; par exemple, les Renommées qui ornent la partie supérieure de beaucoup de dessins de Focus sont immédiatement identifiables comme telles, mais elles sont perturbatrices par leur caractère sexué, affolant et étrange. Il en est de même avec les images de loups dévoreurs, que l’on rapproche sans peine de la louve romaine tout en étant particulièrement dérangeantes.

Sous le titre “Foucus ou Fucault”, Lapierre consacre ensuite quelques réflexions sur l’apport des écrits de Foucault à l’analyse des dessins de Focus: “Face aux dessins de Focus, il est difficile d’oublier Foucault.”3. “Foucault complète la signification de l’intérêt du théâtre dans l’œuvre de Focus” (p. 155)4, qui serait un “symptôme d’une insatisfaction face à la représentation”.

Lapierre voit dans certains éléments des paysages gravés de Focus des prémices de son aliénation, et, inversement, il accorde beaucoup de sens à des dessins de la période de folie de Focus, en leur donnant une valeur esthétique, politique et morale. Je dois avouer que, après la lecture approfondie d’un peu moins d’un quart des dessins de Focus, je ne suis pas convaincu qu’on puisse ainsi leur donner une interprétation systématique et générale, même si, bien sûr, on y trouve des éléments de critique politique ou artistique vis-à-vis des des œuvres et actions de ses contemporains. Trouver ou pas de la cohérence à des saillies, parfois mal comprises, est tout l’enjeu de l’étude et de l’interprétation des feuilles de Focus.

Enfin, Lapierre insiste justement sur l’attention que l’on doit porter à la langue de Focus: ses texte “prennent leur sens dans leur prononciation et même dans leur élocution” (157) 5.

Précurseurs de l’art brut

Au début de son article (p. 152. Apocryphe), Lapierre apporte quelques utiles informations sur des “précurseurs de l’art brut”:

  • Antoine Rabany dit le Zouave (1844-1919)6
Un barbu Muller— CC BY 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=37902474
  • Opicinus de Canistris, cartographies anthropomorphes (1337)7
Opicinus de Canistris, Biblioteca Apostolica Vaticana, Vat. lat. 6435 , Domaine public, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=42322363

Envie de lecture après avoir fini cet article

P. Morel, Les Grotesques. Les figures de l’imaginaire dans la peinture italienne de la fin de la Renaissance (Paris, 2001)

Cite this article as: Alexis D'Hautcourt, "Note de lecture: N. Surlapierre, Focus se croyant roi," in Georges Focus, peintre et fou, 03/03/2021, https://georgesfocus.hypotheses.org/1862.
  1. Directeur des musées de Besançon. []
  2. Bref compte-rendu par Marc Décimo, « Situation de l’Art brut », Critique d’art [En ligne], 53, mis en ligne le 26 novembre 2020. URL : http://journals.openedition.org/critiquedart/53885 ; DOI : https://doi.org/10.4000/critiquedart.53885. []
  3. Allusion à l’essai de Jean Baudrillard publié en 1976. []
  4. Voir l’article de Brugerolles dans Catalogue p. 241-252. []
  5. Lapierre revient sur “tamperin” pour lequel je propose une interprétation ici et antipaster (Cat. 23) sur lequel je vais bientôt revenir pour suggérer une autre explication que celle donnée dans le Catalogue et reprise par Lapierre. []
  6. B. Montpied, R. Gayraud, L’auteur des “Barbus Müller” démasqué !, Le poignard subtil (avril 2018). []
  7. M. Laharie, Une cartographie à la folie. Le journal d’Opicinus de Canistris, MEFR 119,2 (2007), p. 361-399. Sur ce sujet, on peut aussi lire S. Piron, Dialectique du monstre. Enquête sur Opicino de Canistris (2015); Philippe Maupeu, « Opicinus de Canistris : quand la carte est le territoire », Littératures 78 (2018), mis en ligne le 23 juillet 2019. DOI : https://doi.org/10.4000/litteratures.1828. []

Théophile Bra

Grâce à l’excellent livre Lesage, Simon, Crépin. Peintres, spirites et guérisseurs (Lille, 2019)1, je découvre2 un artiste qui a connu un destin un peu semblable à celui de Focus3.

Théophile Bra (1797-1863) est un sculpteur que l’on peut rapprocher de Focus, car, comme lui, il a reçu une excellent éducation, fait partie des milieux artistiques académiques proches du pouvoir et a eu des problèmes psychiques. Alors qu’il connaissait un certain succès avec des commandes publiques comme la statue de la Colonne de la Déesse de Lille, il entend des voix, a des “extases somnambuliques”, souffre de mélancolie et s’intéresse au spiritisme.

La colonne de la Déesse sur la Place du Général de Gaulle à Lille. Photo de Velvet, CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=24609826

Il tient une sorte de journal et réalise 5000 dessins très curieux, souvent associés à des textes, autre parallèle avec Focus4.

Le “titre” du dessin ci-dessus “Le dessin parle” rappelle aussi la façon dont Focus catégorise ses dessins: “des écritures dessinées“.

Cite this article as: Alexis D'Hautcourt, "Théophile Bra," in Georges Focus, peintre et fou, 24/02/2021, https://georgesfocus.hypotheses.org/1877.
  1. Sur la scénographie de l’exposition qu’accompagnait cet ouvrage, voir H. Bicocchi, Les “Portraits Debout” de Frédéric Logez, ou une nouvelle manière de dresser des portraits, Voir et penser (Carnet Hypothèses) (6 avril 2020); en juin, on pourra lire Marc Décimo, « Lesage, Simon, Crépin : peintres, spirites et guérisseurs », Critique d’art [En ligne], Toutes les notes de lecture en ligne, mis en ligne le 04 juin 2021. URL : http://journals.openedition.org/critiquedart/61713. []
  2. En fait, je redécouvre parce que Bra est mentionné dans le Catalogue de l’exposition Focus. []
  3. Voir, par exemple, Yves Gagneux, c.r. de Théophile Bra, Jacques de Caso, André Bigotte et Frank Paul Bowman, L’Évangile rouge dans Revue d’Histoire littéraire de la France 105e Année, No. 4, (OCTOBRE-DÉCEMBRE 2005), pp. 1051-1054. URL: https://www.jstor.org/stable/41494356, avec une discussion de l’opportunité de rattacher ou non cet artiste à l’art but []
  4. Ces dessins sont conservés à la bibliothèque municipale de Douai, mais je n’en ai pas trouvé mention sur le site internet de cette institution: https://www.bm-douai.fr/. []
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